четверг, 22 августа 2013 г.

МузК представляет - Брин Терфель.

Брин Терфель Джонс родился в Пант-Гласе, Гвинед, Уэльс, в семье фермера. С детства был знаком с валлийским баритоном Брином Джонсом. С раннего детства Терфель проявлял интерес к музыке. После победы на многочисленных конкурсах он в 1984 году переезжает в Лондон и поступает в Гилдхоллскую школу музыки и театра. В 1989 году Терфель окончил школу с золотой медалью и премией памяти Кэтлин Ферриер.
Первый оперный дебют Терфеля состоялся в 1990 году в партии Гульельмо в «Так поступают все» в Уэльской национальной опере. В 1991 году на той же сцене он исполнил главную роль в опере «Свадьба Фигаро», вместе с Английской национальной оперой. Его международная оперная карьера началась с исполнения партии Оратора посвящённых в опере «Волшебная флейта» на сцене театра Ла Монне в Брюсселе. В США первое выступление Брина Терфеля состоялось в театре Санта-Фе.
Публика и дирижеры начинают все больше ценить Терфела, и, наконец, приходит время для сенсационного дебюта: в роли Иоканаана в Саломее Рихарда Штрауса, на Зальцбургском фестивале в 1992-ом году. С того момента самые престижные дирижеры мира, от Аббадо до Мути, от Ливайна до Гардинера, приглашают его петь с ними в лучших театрах. Несмотря ни на что, Терфел остается нетипичным персонажем. Его крестьянская простота - самая яркая его черта. В турне за ним следуют группы настоящих друзей-поколонников. На одну из последних премьер в Ла Скала они прибыли в количестве более или менее семидесяти человек. Ложи Ла Скала украсились бело-красными знаменами с изображением красного уэльского льва. Поклонники Терфела напоминали hooligan, агрессивных спортивных болельщиков. Они навели страх на традиционно строгую публику Ла Скала, которая решила, что речь идет о политической манифестации Лиги - партии, которая борется за отделение Севера Италии от ее Юга (впрочем, Терфел не скрывает обожания, которое он испытывает по отношению к двум великим футболистам прошлого и настоящего: Джорджу Бесту и Райану Гиггзу, естественно, уроженцам Уэльса).(в статье с сайта www.belcanto.ru ошибка - Джордж Бест родился в Северной Ирландии, в Белфасте. Прим. МузК)

Источники:
http://www.belcanto.ru/terfel.html

Композиторы прошлого - Джезуальдо ди Веноза.

Карло Джезуальдо, князь Венозы, родился примерно около 1560-1562 годов в замке возле селения Джезуальдо, в ста километрах от Неаполя. Род его укоренился в той местности с XI века. Известно, что отец композитора любил музыку (быть может, и сочинял ее), содержал в замке собственную капеллу, в которой работали многие известные музыканты, в том числе мадригалисты Помпонио Ненна, Сципион Дентиче, Дж. Л. Примавера. Надо полагать, что кто-либо из них, возможно Ненна, руководил ранними музыкальными занятиями будущего композитора.
С юности Карло Джезуальдо уже умел играть на разных инструментах (в том числе на лютне) и с успехом пел. В какие именно годы он начал сочинять музыку, точно не известно. Первая книга его мадригалов появилась в свет в 1594 году, когда он вступил в новый период жизни, едва оправившись от перенесенного несколько ранее тяжелого потрясения. Еще в 1586 году Джезуальдо женился на своей двоюродной сестре Марии д'Авалос. Это был ее третий брак: она схоронила одного за другим двух мужей - оба были итальянскими маркизами. После четырех лет супружеской жизни, имея уже малолетнего сына, Джезуальдо был оповещен о неверности жены, выследил ее и в октябре 1590 года умертвил ее и любовника - не установлено, сам ли или с помощью наемников. Поскольку князья Джезуальдо входили в узкую касту, связанную с высшими церковными кругами (в частности, мать Карло была племянницей папы Пия IV, а брат отца-кардиналом), дело об убийстве удалось замять, хотя оно и получило громкую огласку. Джезуальдо, однако, опасался мести со стороны родственников убитого, который тоже принадлежал к итальянской знати. Средневековый кодекс чести еще не утратил силу в этой среде: считалось, что муж отстаивает свою честь, "наказывая" неверную жену. Тем не менее Джезуальдо, видимо, терзался и угрызениями совести, и воспоминаниями об обманутой любви. Во всяком случае, тень трагического прошлого легла в дальнейшем на его творчество, а быть может, и сочинять музыку он начал особенно интенсивно именно в 1590-е годы.
С 1594 года Джезуальдо находился в Ферраре. Там его влиятельные родные внушили герцогу Альфонсо II д'Эсте, что тому будет династически полезен брак его двоюродной сестры Элеоноры д'Эсте и Карло Джезуальдо. Пышная свадьба состоялась в феврале 1594 года, с праздничным кортежем, при участии музыкантов из дома Джезуальдо. Поселившись с семьей в Ферраре в палаццо Марко де Пио, композитор собирал у себя многих музыкантов и любителей музыки, объединив их в основанную им академию, главной целью которой было исполнение избранных произведений - для улучшения музыкального вкуса. По всей вероятности, на собраниях академии Джезуальдо не раз участвовал в исполнении своих мадригалов. Современники очень высоко оценили его новаторство. Тогда же, в Ферраре он подружился с Тассо, поэзия которого была ему близка по своей образности и эмоциональному тонусу: на тексты Тассо он создал много больше мадригалов, чем на тексты любого из итальянских поэтов. Последние годы жизни Джезуальдо были омрачены и постоянными семейными неурядицами, и тяжелыми болезнями. Скончался он в 1613 году.
Мадригалы составляют главную, подавляющую часть творческого наследия Джезуальдо. В 1594-1596 годах вышли первые четыре книги его пятиголосных мадригалов, в 1611 - еще два их сборника. Посмертно опубликованы мадригалы на шесть голосов (1626). Кроме того, Джезуальдо создал ряд духовных сочинений (но не месс). Сохранилась также рукопись его четырехголосной "Гальярды для игры на виоле" (1600). Прижизненную славу принесли композитору именно его мадригалы. Появляясь впервые как раз в те годы, когда во Флоренции готовились первые оперные опыты, а монодия с сопровождением была полемически противопоставлена полифонии строгого стиля, мадригалы Джезуальдо по-своему тоже означали драматизацию музыкального искусства, поиски новой выразительности, хотя и в многоголосном вокальном складе.

Источник:
www.early-music.narod.ru

среда, 21 августа 2013 г.

Дж.Россини "Севильский цирюльник". В постановке Метрополитен опера 2007 года.

Исполнители:

Joyce DiDonato (Rosina)
Juan Diego Flórez (Count Almaviva)
Peter Mattei (Figaro)
John del Carlo (Dr. Bartolo)
John Relyea (Don Basilio)
Claudia Waite (Berta)
Mark Schowalter (Sergeant)
Brian Davis (Fiorello)
Rob Besserer (Ambrogio)

Режиссер: Bartlett Sher
Дирижёр - Maurizio Benini

Совершенно гениальный спектакль на мой взгляд! Я видела много постановок этой оперы - но эта самая любимая. Невозможно было оторваться! Самое интересное, что постановка вцелом, я бы сказала, наитрадиционнейшая - но какая это потрясающая режиссёрская работа с либретто! Он показал настоящую, добрую, весёлую комедию, что так редко встретишь на современной оперной сцене. Почему-то многие режиссёры считают, что традиционные постановки - это скучно - ничего подобного в данном случае - я хохотала почти весь спектакль, кстати вместе со зрителями, которые видели оперу живьём. Все шутки были настолько уместны, а дейстивие настолько живым, что иногда казалось, будто смотришь фильм, гдк герои разговаривают, а не поют - ни намёка на статику! Конечно, впечатление было бы не столь ярким, если бы не замечательная актёрская игра ВСЕХ персонажей! Хотя здесь, правда, возникают и спорные моменты. В том числе некоторые музыкальные критики после премьеры спектакля писали о том, что Петер Маттеи сыграл не изворотливого слугу-простолюдина Фигаро, а ещё одного графа. Конечно, с одной стороны с ними трудно не согласиться, однако лично мне понравилась такая трактовка.
Из потрясающего вокального ансамбля персонажей, пожалуй несколько выбивается только исполнительница партии служанки Берты. Её довольно тяжёлый звук и очень крупная вибрация на мой взгляд не соответствуют стилю музыки Россини.
Очень понравились декорации, довольно минималистичые, трансформирующиеся под разные сцены оперы. Яркие и совершенно традиционные костюмы прекрасно вписывались и дополняли общий колорит действия.
Всем советую посмотреть этот спектакль и получить истинное удовольствие от замечательной музыки и такого же исполнения!

вторник, 20 августа 2013 г.

Музыка кино - А.С.Зацепин.

Александр Сергеевич Зацепин родился 10 марта 1926 года в Новосибирске. Отец — Сергей Дмитриевич Зацепин, был хирургом. Мать — Валентина Болеславовна Оксентович, была преподавателем русского языка и литературы.
Окончив среднюю школу № 12, поступил в Новосибирский институт инженеров железнодорожного транспорта. В марте 1945 года его отчислили из вуза и призвали в армию. Будучи на военной службе, Зацепин самостоятельно освоил игру на нескольких инструментах и в итоге попал в Новосибирский армейский ансамбль песни и пляски.
После увольнения в запас в 1947 году Зацепина пригласили в Новосибирскую филармонию. Во время гастролей в Алма-Ате Зацепин решил подать документы в музучилище, но ему порекомендовали сразу поступать в консерваторию. И его действительно приняли на фортепианное отделение, а на будущий год - и на композиторское к известному ленинградскому педагогу профессору Евгению Брусиловскому, оставшемуся в Алма-Ате после эвакуации во время войны...

Музыкальный обзор - 1970-е.

Второй очерк из серии "Обзор рок и поп музыки с 1960-х до 2000. Сегодня речь пойдёт о 1970-х. Много кого не упомянул, опять же из-за ограниченности формата. Итак, 1970-е.

1970-е явились временем большого раскола в популярной музыке. Часть музыкантов двинулось по пути "поздних" The Beatles - к постепенному усложнению и даже симфонизации своей музыки. Одними из пионеров этой тенденции явились Deep purple со своим "Концертом для группы с оркестром" (1969). Позднее появляются Queen. В 1975 году выходит их альбом A Night at the Opera, песня с которого, "Bohemian rhapsody", становится воплощением "симфонизации" рока. Кроме того, появляется "психоделический рок", другой вариант "усложнения". По этому пути пошли Pink Floyd, наивысшей точкой творчества которых явился концептуальный альбом "The Wall".
Ещё часть музыкантов в поисках новых путей пошли на прямое слияние рока и джаза. Главными группами нового направления стали "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", различные ансамбли Майлса Дэйвиса, человека, который ещё с конца 1960-х экспериментировал в этом направлении. Наконец, появляется электронная музыка, основы которой были заложены группой Kraftwerk (первый альбом «Autobahn» вышел в 1974). Тут стоит заметить, что впервые мы видим среди законодателей музыкальной моды не англичан и не американцев. Kraftwerk - немецкий коллектив. Остальная Европа постепенно начинает привносить свою лепту в развитие музыки.
Но намечается и принципиально другой путь эволюции рока - утяжеление. Такие группы как Led Zeppelin из США и британские Black Sabbath начинают двигаться в том направлении, которое в итоге породило металл. Я говорю так, потому что как такового металла ещё не было. Даже критики не делали разницы между хард-роком и "хэви-металлом". Но начало было положено.
Помимо этих тенденций возникают прямо противоположные им направления развития музыки. Прежде всего, это свирепая волна примитивизации, нашедшая выражение в панк-роке. И снова Великобритания сказала своё слово - группа Sex pistols, несмотря на непродолжительное существование (1975-1977), явилась живым воплощением целой субкультуры.
Наконец, в результате другой тенденции - если можно так сказать, "популяризации" рока и рок-н-ролла, на свет появился стиль "диско". Ярчайшими представителями которого, стала шведская группа ABBA. Обратной стороной этого во всех отношениях яркого и прздничного направления явились новые принципы шоу-бизнеса. Как заметил в одной из своих книг А. Троицкий, если раньше главным был артист, который был звездой и именно ему шла большая часть прибыли, то теперь он превратился в "презренного пролетария", а главным стал продюсер. Насколько это верно прекрасно иллюстрирует история группы Boney M (Германия). Франк Фариан, продюсер, набрал людей, которые ему подошли, и впоследствии, он тасовал состав, как хотел. Заметим, кстати, что снова яркий представитель "диско" у нас не из Англии и не из США.
Теперь обратим наш взгляд на СССР, где положение осложнялось серьёзным давлением цензуры.
Поэтому вряд ли можно было ожидать, что в нашей стране появится что-то подобное западным группам и исполнителям. То, что появилось у нас, как реакция на происходящее в Европе и США, окрестили впоследствии "русским роком". И первым представителем стала группа "Машина времени" (1969). Отличительной чертой "нашего рока" стала большая ориентация на текст, а не на музыку. Если в Европе и США тексты песен имели зачастую символический смысл, либо вобще не имели его, то тексты той же "Машины времени" частенько наполнены серьёзной философией. Это роднит "русский рок" с бардовской песней, где музыка сама по себе условна.
Стас Намин, создатель группы "Цветы" решил постепенно внедрять элементы западной музыки, при этом тексты, в основном, были о любви, что, в общем, само по себе должно было помочь пройти цензурный заслон. Это дало свои плоды и "Цветы " смогли даже записать несколько пластинок на фирме "Мелодия" (серьёзный успех для того времени). В советской эстраде всё по-прежнему. Как и во всей стране застой. Впрочем появляются робкие попытки сделать что-то интересное в западном духе (альбом Давида Тухманова "По волне моей памяти", кроме того Магомаев и некоторые другие исполнители позволяют себе на концертах иногда спеть какой-нибудь рок-н-ролл). Из более-менее интересных событий отмечу лишь появление певицы Аллы Пугачёвой. Певицы с грандиозным потенциалом, который, на мой взгляд, мог намного ярче проявить себя в других условиях.

понедельник, 19 августа 2013 г.

Музыкальный обзор - 1960-е.

Друзья, мы начинаем серию обзоров, посвящённых рок и поп музыке, начиная с 1960-х годов до наших дней. Потом мы хотели бы провести среди Вас, музыка какого периода Вам больше всего нравится.
Итак, первый обзор посвящён 1960-м. Прошу прощения, если я что-то упустил.

1960-е годы - это время, когда, по сути дела, сформировался шоу-бизнес в современном представлении. Появились новые методы раскрутки групп и исполнителей. Яркий след оставило явление "битломании", которое также наложило отпечаток на дальнейшую культуру. Итак, кто же пользовался популярностью у слушателей в 1960-е.
По сравнению с 1950-ми, когда преимущественно внимание публики владели одиночные исполнители, в 1960-е начинается настоящий бум, связанный с группами. Вслед за шумным (если не сказать сумасшедшим) успехом The Beatles, путь "в люди" пробивают себе такие легенды, как Rolling stones, The Who. И это только в Европе. Европейский, а если точнее, британский рок захватывает, практически весь мир.
США отвечают своей "россыпью" звёзд. Вдохновившись битловским альбомом "Rubber soul" группа The Beach Boys записывает альбом "Pet Sounds". В 1965 году появляется группа The Doors.
С 1966 по 1968 существует британская группа Creem, которую называют первой "супергруппой" (состав - Эрик Клэптон, бас-гитарист Джека Брюс и барабанщик Джинджер Бэйкер).
Но, конечно, исполнители, не входящие ни в какие группы тоже продолжают существовать. Рой Орбисон в 1964 записывает свой суперхит "Oh, Pretty Woman". В то же время продолжается блистательная карьера Рея Чарльза, начавшаяся ещё в 1950-е. 1960-е приносят ему такой хит как Hit The Road Jack (композитор Перси Мейфилд) и Грэмми. И ещё один из символов 1960-х, Джимми Хендрикс, жизнь которого прервалась в 1970. Один из величайших гитаристов в истории рок-музыки. Немного в тени нашего обзора осталась поп-музыка. Но и в самой эпохе популярная музыка осталась в тени "британского рок-нашествия". Хотя конечно, песни в исполнении, скажем, Френка Синатры находили свою аудиторию.
В СССР, конечно же господствовала официальная эстрада. Песни Пахмутовой, Тухманова, Колмановского и т.д. Но даже "железный занавес" не мог остановить волну британского рока. И в СССР появляются первые полулюбительские группы. А в Британии и в США в конце 1960-х уже "подрастает" новое поколение легенд, Pink Floyd, Deep purple, Led Zeppelin. Но, как говорится, это уже совсем другая история.

P.S. В обзоре представлены группы и исполнители, которые могут нравиться или не нравиться, но они были очень популярны в 1960-е. А многие из них популярны и сегодня.

МузК представляет - FLORENCE AND THE MACHINE.

Флоренс Леонтайн Мэри Уэлч (Florence Leontine Mary Welch) родилась 28 августа 1986 года в Лондоне, Англия. Детство Флоренс прошло в Камбервелле, на юге Лондона; она была старшей из троих детей. Её мать Эвелин Уэлч, — профессор Колледжа королевы Марии в Лондоне, специалист по эпохе Ренессанса. Отец Ник Уэлч — исполнительный директор рекламного агентства (автор, в частности, очень известного в Британии ролика про шоколадный батончик Aero). Он, тем не менее был ближе к рок-н-роллу, чем его жена: в юности участвовал в движении сквоттеров и был знаком с участниками The 101ers, первой группы Джо Страммера. «Я сам нереализованный исполнитель. Изо всех сил подталкивал Флоренс, чтобы она слушала Ramones, а не Green Day», — вспоминал он. Мать также оказала влияние на формирование вкусов дочери: последняя вспоминала, как «с упоением слушала ее лекцию — без конспектов о паре перчаток эпохи Возрождения, продолжавшуюся час… Она гипнотизировала, эта страсть, с какой она рассказывала об артефактах. Я стремлюсь к чему-то подобному, но в музыке. Мне бы хотелось, чтобы кто-то через двести лет говорил о ней столь же восторженно». Когда дочери было 14 лет, родители разошлись, создали каждый свою семью, но сохранили хорошие отношения и продолжали совместное воспитание детей.
Одним из самых ранних «музыкальных» впечатлений будущей певицы было воспоминание о танцах под Rolling Stones на сундуке, в котором отец хранил коллекцию пластинок. Первые вокальные упражнения она начала проводить дома, подпевая Нине Симон и Дасти Спрингфилд, тренируя диапазон и исполнением оперных арий.
Флоренс начала заниматься музыкой с одиннадцати лет. Будучи ученицей частной Alleyn School, она познакомилась с участниками джазового коллектива Ashok. «Я никогда не мечтала просто стоять у микрофона и петь чужие песни, поэтому ушла», — рассказывала она. В 18 лет она поступила в Кэмбервелльский колледж искусств, где пела в двух группах: The Fat Kid и Team Perfect, но и в этих составах не нашла себе постоянного места. В 2007 году Флоренс на вечеринке, где диджеем был её тогдашний бойфренд, Майред Нэш из Queens of Noise после импровизированного прослушивания согласилась стать менеджером певицы. Начался поиск творческого партнера. Некоторое время на эту роль рассматривался Джонни Борелл из Razorlight, но из этого ничего не вышло. Все изменилось, когда она повстречала Изабеллу Саммер, хип-хоп-диджея из Саффолка по прозвищу «Машина», имевшей доступ к лондонским студиям. Так у проекта возник заголовок: Florence and the Machine.
Florence and the Machine дебютировали в 2008 году с синглом «Kiss with a Fist», за ним последовали «Dog Days are Over», «You’ve Got the Love» и «Rabbit Heart (Raise It Up)». Последний поднялся до 12 строчки в UK Singles Chart, ознаменовав наивысшее достижение группы в британском хит-параде. Важную роль в восхождении Florence and The Machine сыграла BBC, именно после появления группы в программе BBC Introducing группу пригласили выступить на фестивалях в Гластонбери и Рединге 2008 года. В том же году Флоренс провела совместное турне с MGMT, причём обе группы согласился транспортировать Ник Уэлч (впоследствии его дневник был опубликован журналом The Lady). В декабре 2008 года Florence and the Machine получили Brits Award в номинации Critic’s Choice (Выбор критиков).
Дебютный альбом Lungs вышел 6 июля 2009 года и получил высокие оценки музыкальных критиков. Первоначально он поднялся до #2 в UK Album Charts (на подступах к вершине будучи остановлен сборником Майкла Джексона), а позже возглавил чарты. «Lungs, в отличие от многих чарттопперов, наполнен агрессией и живым макабром», — писал рецензент Q. 21 июля 2009 года Lungs был номинирован на Mercury Prize 2009 и в букмекерском списке фаворитов разделил первое место с альбомом Kasabian. Lungs получил BRIT Award как лучший альбом года. На церемонии вручения Флоренс выступила в дуэте с рэпером Dizzee Rascal: они спели её «You’ve Got the Love» в соединении с его «Dirtee Cash». Как написал Q, дуэт оказался триумфальным, ознаменовав необычный «союз двух Англий: болтливо-пролетарской, истэндовской, и элитарной, на крыльях фантазии, парящей параллельно уровню классики британской литературы». Уэлч отнеслась в победе достаточно спокойно: «Здорово, конечно, что я победила, но я не из тех певиц, которыми интересуются таблоиды. Я слишком издергана, чтобы считаться сексуальной. И я не посещаю все эти нужные места. Единственное, чего я хочу, — это чтобы второй альбом оказался лучше первого», — заявила она в одном из интервью. Дуэт с Дизза Раскалом поднялся до второго места в британских списках. Запись выступления дуэта, выпущенная синглом под заголовком «You Got the Dirty Love», поднялась до #2 в Британии.

МузК представляет - Найджел Кеннеди.

Найджел Кеннеди родился 28 декабря 1956 года в Брайтоне, Англия. Его отец Джон был виолончелистом «Royal Philharmonic Orchestra», а мать давала уроки игры на фортепиано. У родителей был роман, но в браке они не состояли, Джон оставил Силлу, не зная о ее беременности, и эмигрировал в Австралию. О существовании сына Джон Кеннеди узнал, когда Найджелу уже было одиннадцать лет.
Еще младенцем, мать регулярно брала его с собой на работу, и мальчик буквально «вырос под пианино». Неудивительно, что его способности к музыке проявились очень рано, уже в десять лет он попал на прослушивание к Иегуди Менухину, и великий артист разглядел в нем большой потенциал. Матери сообщили, что ее сын получил стипендию на обучение, и только много лет спустя выяснилось, что Менухин лично оплачивал образование своего ученика.
Скрипка стала его основным инструментом, но мальчик в детстве не питал к ней особой любви. "Мне гораздо больше нравилось играть на фортепиано, на котором я сразу мог добиться относительного успеха и хорошего звучания. Когда вы учитесь играть на скрипке, вы слышите лишь жуткий скрежет. Фортепиано - другое дело: можно быстро научиться играть осмысленные мелодии".
В шестнадцать лет Найджел окончил школу и переехал в Нью-Йорк, где продолжил обучение в «Juilliard» у знаменитой Дороти Дилэй.
Примерно в то же время Кеннеди согласился поучаствовать в концерте Стефана Граппелли в Зале Карнеги в Нью-Йорке, несмотря на то, что учителя пугали Найджела, что это разрушит его классическую карьеру.
Его дебютная запись произошла в 1984 году, с оркестровым произведением Эдварда Эльгара «Violin Concerto», но известность Кеннеди принесла его версия «Времен года» Вивальди, которую он записал в 1989 году с Камерным оркестром.
Диск был продан тиражом более двух миллионов копий и попал в Книгу рекордов Гиннеса как самое продаваемое классическое произведение всех времен.
Альбом занял вершины классических чартов Британии, было подсчитано, что каждые 30 секунд продавался один диск.
После многочисленных выступлений, включая игру перед королевской семьей в Букингемском дворце, в 1991 году он выпустил автобиографию «Always Playing».
В то время он принял решение оставить коммерческую музыкальную сцену, напоследок выпустив альбом «Music In Color» со Стивеном Даффи.
Его торжественное возвращение на музыкальную передовую произошло спустя пять лет, в 1997 году, когда Кеннеди получил награду «Выдающийся вклад в развитие британской музыки» на премии «Brit Awards». В 2001 году он также выиграл в номинации «Артист года».
В 1999 году «Sony Classical» выпустила его альбом «The Kennedy Experience», в котором нашли место импровизации композиций Джимми Хендрикса. В записи альбома участвовали семь музыкантов, и Кеннеди сопровождали две виолончели, гобой, три гитары, флейта и контрабас.
В конце 2005 года Кеннеди занялся записью своего первого «правильного» джазового альбома. В записи участвовали контрабасист Рон Картер, барабанщик Джек ДеЖонетте и саксофонист Джо Ловано.
Четыре последних года для Найджела Кеннеди стали очень плодотворными. Подписав контракт с менеджером, работающим ранее с Лучано Поворотти, он выпустил два альбома, сделал записи концертов на скрипке и виолончели, работал с польским джазовым оркестром и рядом рок-групп.

воскресенье, 18 августа 2013 г.

Композиторы прошлого - Клеман Жанекен (1475 - 1560).

Начальное музыкальное образование получил в хоровой школе родного города Шательро. Был рукоположен в сан священника в первой половине 1520-х годов. В 1523—29 годах состоял на службе у архиепископа Бордо Жана де Фуа. В 1534—37 годах руководил капеллой кафедрального собора в Анже, где с большой вероятностью оставался до 1549 года. В 1550-х годах стал певчим Королевской капеллы в Париже, с 1556 года — в должности «ординарного королевского композитора». Возможно, учился у Жоскена Депре или у композиторов из его окружения. О широкой известности композитора свидетельствуют сборники его песен (которые печатали крупнейшие нотоиздатели, в том числе Пьер Аттеньян и Тильман Сузато), обработки их для лютни, клавишных и других инструментов. Несмотря на очевидное общественное признание, Жанекен на протяжении всей жизни испытывал материальные затруднения и умер в бедности.
Сложности повседневного существования не сломили композитора. Жанекен являет собой ярчайший тип ренессансной личности с ее неистребимым духом бодрости и оптимизма, любовью ко всем земным радостям, умением видеть красоту в окружающем мире. Широко распространено сравнение музыки Жанекена с творчеством Рабле. Художников роднит сочность и колорит языка (у Жанекена это не только выбор поэтических текстов, изобилующих меткими народными выражениями, искрящихся юмором, весельем, но и любовь к красочным детальным описаниям, широкое использование изобразительных и звукоподражательных приемов, придающих его произведениям особую правдивость и жизненность). Ярким примером может служить знаменитая вокальная фантазия "Крики Парижа" - развернутая, словно театрализованная сценка уличного парижского быта. После мерного вступления, где автор спрашивает слушателей, не желают ли они послушать уличную разноголосицу Парижа, начинается первый эпизод представления - непрерывно звучат, сменяясь и перебивая друг друга, зазывные возгласы продавцов: "пирожки, красное вино, сельди, старые башмаки, артишоки, молоко, свекла, вишня, русские бобы, каштаны, голуби..." Темп исполнения все убыстряется, создавая в этой цветистой разноголосице картину, ассоциирующуюся с гиперболами "Гаргантюа". Фантазия завершается призывами: "Слушайте! Слушайте крики Парижа!"

Ряд картинно-изобразительных хоровых композиций Жанекена родился как отклик на важные исторические события его эпохи. Одно из популярнейших сочинений композитора - "Битва" - описывает сражение при Мариньяно в сентябре 1515 г., где французские войска нанесли поражение швейцарцам. Ярко и рельефно, словно на батальных полотнах Тициана и Тинторетто, выписан звуковой образ грандиозной музыкальной фрески. Ее лейттема - призывный клич походного горна - проходит через все эпизоды произведения. В соответствии с развертывающимся поэтическим сюжетом эта шансон состоит из двух разделов: 1ч. - подготовка к битве, 2 ч. - ее описание. Свободно варьируя фактуру хорового письма, композитор следует за текстом, стремясь передать эмоциональное напряжение последних мгновений перед битвой и героическую решимость воинов. В картине боя Жанекен использует множество новаторских, крайне смелых для своего времени, приемов звукоподражания: партии хоровых голосов имитируют дробь барабанов, сигналы труб, бряцание мечей.
Ставшая открытием для своей эпохи шансон "Битва при Мариньяно" вызвала множество подражаний как у соотечественников Жанекена, так и за пределами Франции. Сам композитор неоднократно обращался к композициям подобного рода, вдохновленный патриотическим подъемом, вызванным победами Франции ("Битва при Меце" - 1555 и "Битва при Ренти" - 1559). Воздействие героико-патриотических шансон Жанекена на слушателей было чрезвычайно сильным. Как свидетельствует один из его современников, "когда исполняли "Битву при Мариньяно"... каждый из присутствующих хватался за оружие и принимал воинственную позу".
Камерная вокальная лирика композитора значительно менее известна слушателям, чем его монументальные хоровые композиции. В ранний период творчества Жанекен тяготел к поэзии Клемана Маро, одного из любимейших поэтов А. Пушкина. С 1530-х гг. появляются шансон на стихи поэтов знаменитой "Плеяды" - творческого содружества семи выдающихся деятелей искусства, назвавших свой союз в память о созвездии александрийских поэтов. В их творчестве Жанекена пленили изысканность и изящество образов, музыкальность слога, пылкость чувств. Известны вокальные композиции на стихи П. Ронсара - "короля поэтов", как прозвали его современники, Ж. Дю Белле, А. Баифа. Традиции гуманистического искусства Жанекена в области многоголосной полифонической песни были продолжены Гильомом Котле и Клоденом де Сермизи.

суббота, 17 августа 2013 г.

Музыка кино - Джо Хисаиси (Хисаиши).

Джо Хисаиси (Хисаиши).
Родился 6 декабря 1950, Нагано, один из самых известных японских композиторов. Настоящее имя Мамору Фудзисава (藤澤 守). «Джо Хисаиши» (Hisaishi Joe) — псевдоним, фонетически имитирующий имя американского композитора Куинси Джонса (кандзи фамилии «Хисаиси» могут читаться как «Куиси»).
Хисаиши начал заниматься музыкой с пяти лет, беря уроки игры на скрипке. Музыкальным минимализмом, определившим характерное звучание его музыки, Хисаиши заинтересовался во время учёбы в музыкальном колледже, куда он поступил в 1969 году для прохождения обучения по специальности композитор. Свой первый альбом, «Information», он выпустил в 1982 году. В 1983 году Хисаиши порекомендовали Хаяо Миядзаки для написания сопровождающего альбома к манге «Навсикая из Долины Ветров». Миядзаки так понравилась работа молодого музыканта, что он предложил ему написать музыку к фильму «Навсикая из Долины Ветров». Работа над «Навсикаей» прославила Хисаиши. В благодарность он работал над всеми последующими фильмами Миядзаки.
Хисаиши рекордное количество раз (четыре) получал награду японской киноакадемии в номинации «Лучшая музыка к фильму». Три из них — награды за музыку к фильмам Такэси Китано («Сонатина» (1993), «Ребята возвращаются» (1996), «Фейерверк» (1997)). Также он написал для Китано саундтреки фильмов «Сцены у моря» (1992), «Кикудзиро» (1999), «Брат якудзы» (2001) и «Куклы» (2002).
Помимо создания музыки для полнометражных художественных и анимационных фильмов, Хисаиши много работает для телевидения и участвует в создании рекламы. Он также создал музыкальное оформление Параолимпийских игр 1998 года в Нагано.
Блестящий пианист и клавишник, Хисаиши выпустил более 15 сольных альбомов, совершил множество турне с Новым японским симфоническим оркестром, а также неоднократно выступал и записывался вместе с оркестрами лондонской, чешской и феррарской филармоний.


Информация о композиторе взята с сайта http://www.kinopoisk.ru/name/281851/
А также из группы, посвящённой его творчеству http://vk.com/joehisaishi

четверг, 8 августа 2013 г.

МузК представляет - Pentatonix.

Pentatonix — это американская акапелла группа, которая появилась в 2011 году в Арлингтоне, штат Техас. Группа состоит из пяти участников: ведущий вокалист Скотт Хоинг, Митч Грасси, Кирсти Мальдонадо, вокал-бас Ави Каплан и битбоксер Кевин Олусола. Выиграв третий сезон конкурса «The Sing-Off», группа получила 200.000$, а также контракт со звукозаписывающей компанией Sony Группа не имеет конкретного музыкального направления, так как получает влияние от различных направлений, таких как поп-музыка, дабстеп, электро, регги, хип-хоп и прочих. Pentatonix делает кавер-версии на песни популярных исполнителей, а также создаёт свои. Группа уже выпустила два альбома и организовала несколько тур-поездок в их поддержку. В первую же неделю после выпуска своего дебютного альбома «PTX Vol.1» было продано 20000 копий.
Группа,по предложению Скотта, названа в честь пентатоники, музыкального звукоряда с пятью тонами в октаве (так как членов группы тоже пять). Участники заменили последнюю букву «Pentatonic» на «Х», чтобы сделать название более привлекательным.

Источник:
www.wikipedia.org


среда, 7 августа 2013 г.

МузК представляет - the Baseballs.

Сегодня хотелось бы рассказать о немецкой группе the Baseballs. Это кавер-проект. Участники группы обрабатывают современные поп-хиты в стиле 50-х годов (ритм-энд-блюз, рокабилли).
Основана группа была в 2007 году в Берлине. 1 мая 2009 года вышел дебютный релиз - сингл "Umbrella", который попал в национальные чарты Германии, Швейцарии, Финляндии, Австрии, Швеции. 15 мая 2009 года выходит дебютный альбом Strike! В Финляндии, Норвегии и Швеции альбом возглавляет национальные чарты. Следующим релизом группы стал сингл «Hot N Cold» на известную песню певицы Katy Perry. В 2011 году вышел их второй альбом The Baseballs: "Strings´n´Stripes и два клипа на песни Hello и Candy shop.
Вокалисты в группе скрывают свои фамилии, поэтому мы можем перечислить их только по именам. Sam, Digger и Basti - вот и всё, что про них известно:). К сожалению, про эту группу вобще очень мало информации. Тем не менее их музыку можно без труда скачать или послушать. По мнению многих, зачастую их версии оказываются значительно лучше оригинала, но даже если кто-то с этим не согласится, в любом случае, то, что они делают весьма любопытно:).


В контакте есть группа, посвящённая The Baseballs:
http://vk.com/thebaseballs

Официальный сайт группы:
http://www.thebaseballs.com/

Информация о группе (то немногое, что удалось найти) взята с этих сайтов:
http://megalyrics.ru/about/the-baseballs.htm
http://ru.wikipedia.org/wiki/The_Baseballs


вторник, 6 августа 2013 г.

МузК представляем - Caprice.

Сегодня хотелось бы рассказать об одном из самых интересных на наш взгляд российских проектах, группе Caprice. Группа была создана в 1996 году студентами Санкт-Петербургской консерватории. И академические традиции весьма заметны в их музыке. Причём самый большой отпечаток на их музыку наложили традиции, которые, на первый взгляд абсолютно не сочетаемы - музыка барокко, и атональная музыка. В том же году был записан дебютный альбом Зеркало. А с 1998 начались регулярные выступления. В 1998 году Caprice работают над новым музыкальным стилем - музыкой эльфов. Результатом этой работы явилась эльфийская трилогия - Elvenmusic (2001), The Evening of Iluvatar’s Children (2003) и Tales of the Uninvited (2005). А альбом The Evening of Iluvatar’s Children даже был признан французским журналом Elegy лучшим в жанре fantasy по итогам 2003 года. Эта трилогия примечательна ещё и тем, что песни третьего альбома Tales of the Uninvited, написаны большей частью на языке Laoris, языке эльфов, который создал лидер группы, композитор и лингвист Антон Брежестовский.
Группа интересна тем, что она постоянно эксперементирует. В частности на альбоме Kywitt! Kywitt! (2008), к акустическим инструментам добавляются гитары, барабаны и электроника.
Из наиболее примечательных проектов, в которых принимала участие группа, хотелось бы отметить то, что именно Caprice записал музыку для для Santa Park - мировой резиденции Санта-Клауса в Rovaniemi (Финляндия).
Музыканты Caprice также участвуют в различных российских оркестрах, таких как оркестр Большого театра, Государственная академическая симфоническая капелла России, Государственный симфонический оркестр «Новая Россия». Всю музыку пишет, как уже говорилось выше Антон Брежестовский.

Состав группы:
Инна Брежестовская - вокал
Александра Корзина - скрипка
Татьяна Струнина - арфа
Владимир Бобовников - флейта
Антон Кончаков - кларнет
Алексей Бажалкин - фагот
Алексей Толстов - виолончель
Антон Брежестовский - клавишные


МузК представляет - Bruno Pelletier.

Брюно Пельтье (Bruno Pelletier). Певец, композитор, аранжировщик.
Родился 7 августа 1962 года в Шарльбурге (Квебек, Канада). Когда Брюно было 7 лет, его отец заметил стремление сына к музыке и подарил ему гитару. Мальчик начал учиться играть на гитаре, ударных и сочинять. С 1985 года начинает выступать с группами "Amanite" и "Sneak Preview". Позже основывает группу "Pеll". В возрасте двадцати трёх лет он перебирается в Монреаль, выступает в барах и практически теряет голос. Прекращает выступления, проходит курсы вокала, чтобы восстановить голос. Участвует в телепередачах, снимается в рекламе. В 1991 он получает роль в своем первом мюзикле «Вид сверху» ("Vu d'en haut"), В 1992 году певец присоединился к труппе "Fous de rock'n'roll" ("Безумцы рок-н-ролла") и принял участие более чем в сорока спектаклях. В этом же году записывает свой первый сольный альбом "Bruno Pelletier". В 1992 году Брюно вошел в труппу мюзикла "La legende de Jimmy" ("Легенда о Джимми"), авторами которого были Люк Пламондон и Мишель Берже, в котором он исполнил главную роль. В 1993 году Люк Пламондон приглашает Брюно на роль в мюзикле "Starmania". В 1995 году Брюно записывает второй сольный альбом "Defaire l'amour" ("Разрушить любовь"). В 1997 году – альбом "Miserere", который разошелся тиражом в 250 000 экземпляров. В 1998 году певец получает предложение от Люка Пламондона принять участие в новом мюзикле "Notre Dame De Paris" ("Собор Парижской Богоматери"). В 1999 году выходит в свет альбом "D'autres rives" ("Другие берега"). В марте 2001 года Брюно выпустил сценический альбом "Sur Scene" ("На сцене"). 2002 год – альбом "Un monde a l'envers" ("Мир наизнанку"), 2003 год – рождественский альбом "Concert de Noël". В 2006 году в театре "Сен-Дени" состоялась премьера мюзикла "Дракула - Между любовью и смертью" ("Dracula - Entre l’amour et la mort"), где Брюно не только исполнил главную роль, но так же выступил как сопродюсер и арт-директор проекта. После участия в мюзикле Брюно воплотил в жизнь еще один проект - «Bruno Pelletier et le GrosZorchestre» ("Брюно Пельтье и ГросЗоркестр"). В 2007 году вышел одноименный альбом, включающий как хиты звезд мировой музыки, так и песни из репертуара самого Брюно в джазовой обработке. В 2009 году выходит альбом "Microphonium". С этого же года Брюно даёт концерты в Москве, Санкт-Петербурге, Новосибирске, Киеве, Одессе, Минске. В данный момент он работает над новым альбомом "Rendus-là", презентация которого запланирована на осень 2012 года.


Статья подготовлена с использованием материалов следующих сайтов:
http://brunopelletier.info/ru/
http://ru.wikipedia.org/wiki/Пельтье,_Брюно


понедельник, 5 августа 2013 г.

МузК представляет - Uttara kuru.

Uttara kuru (яп. Восточный ветер) - дуэт из Японии в составе Сэити Кюида (клавиши, синтезатор, аранжировки) и Кацумаса Ёсиока (продюсирование). За основу своих работ берущий традиционные японские фолк-песни, сыгранные на традиционных же инструментах и обработанные в современном духе. Особенно любопытно слышать соединение традиционной японской музыки и европейской гармонии. Отчасти это роднит Uttara kuru с японской пианисткой Кейко Мацуи, о которой мы уже рассказывали, но у неёболее велика доля джаза, который смешивается с японской этникой. В то время как наши сегодняшние герои дальше ушли от джаза (хотя его влияние можно уловить), и пришли к чему-то своему, совершенно особенному. Название Uttara Kuru подчёркивает непохожесть дуэта на что либо - это название древнего королевства на севере Индии. И, как мало информации об этом королевстве у современной науке, так и у нас, к сожалению, не слишком много информации про этот дуэт. Могу лишь сказать .что их характеризуют и как техно, и как нью-эйдж и даже транс. Элементы всего этого, конечно присутствуют, но в итоге ни в один стиль по-настоящему они не вписываются.

В 1999 звукозаписывающей компанией Pacific Moon, где Ёсииока трудится штатным продюсером, был издан первый диск «Prayer», практически целиком состоявший из сутр-песнопений буддистских монахов, ими и исполненных. Через несколько месяцев вышла вторая пластинка «East Wind», кроме того, Uttara Kuru отметились на компиляции «Pacific Moon III».

Источники:
www.gusli.su
http://en.wikipedia.org/wiki/Uttara_Kuru_Kingdom


воскресенье, 4 августа 2013 г.

МузК представляет - Джейн Монхайт.

Джейн Монхайт (американская джазовая певица). Родилась 3 ноября 1977 года. Джейн полюбила джаз в раннем детстве – заслушивалась пластинками Эллы Фицджеральд, Кармен МакРэй и Сары Воэн из фонотеки родителей. Пение и кларнет начала изучать в театральном училище, а в 17 лет поступила в Манхэттеновскую школу музыки, где занималась вокалом под руководством Питера Элдриджа. В 20 лет заняла второе место на Международном джазовом конкурсе Телониуса Монка. В творческом багаже певицы две номинации на премию Грэмми, призы крупнейших джазовых фестивалей, десять пластинок, включая два DVD. Ее самый первый альбом NeverNever Land (2000 год), где Джейн аккомпанировали легендарные Кэнни Бэррон и Рон Картер, Американская ассоциация джазовых журналистов признала лучшей дебютной записью года.
Сегодня Джей Монхайт находится на взлете творческой карьеры. Она уже успела покорить джазовый мир своим роскошным, удивительно чистым голосом, блестящей вокальной техникой. Джейн постоянная участница крупнейших фестивалей, перед ней открыты самые престижные джазовые сцены мира, она нередкая гостья раутов в Белом доме, а его нынешний хозяин Барак Обама не раз называл ее своей любимой певицей, о чем не забывают повторять джазовые обозреватели.

Использованы материалы:

http://www.interfax.ru/culture/txt.asp?id=268317
http://ru.wikipedia.org/wiki/Монхайт,_Джейн

Официальный сайт певицы:

http://janemonheitonline.com/

Так же предлагаем вашему вниманию специальный выпуск программы StarJazzTV, посвящённый Джейн Монхайт. (http://www.lookatme.ru/flow/posts/music-radar/172281-starjazz-ot-starjazz-tv-zvezdnyy-put-dzheyn-monhayt)


суббота, 3 августа 2013 г.

Музыка кино - Джон Уильямс.

Джон Уильямс (John Williams). Композитор, дирижёр.
Родился 8 февраля 1932 года в Лонг Айленде, штат Нью-Йорк. Его отец играл на перкуссии в квинтете Рэймонда Скотта, так что музыка появилась в жизни Джона с малых лет. Проживая уже в Лос-Анджелесе, куда он переехал с родителями в 1948 году, он вовсю наигрывал джазовые мелодии на пианино, возглавляя собственный джаз-бэнд столь же юного возраста. Он учился одновременно в Калифорнийском университете и в Городском Колледже Лос-Анджелеса по классу "дирижер симфонического оркестра". Впоследствии был зачислен штатным дирижером в оркестр ВВС США, где и прослужил 3 года. По возвращении в Штаты Уильямс поступил в Джуллиардскую музыкальную школу, там возобновил занятия по классу фортепиано у мадам Розины Льевинн. Она убедила его вплотную заняться сочинением музыки; так Джон и поступил, отправившись на ближайшую киностудию.
Джон Уильямс автор музыки более чем к 130-ти фильмам, среди которых «Челюсти», «Супермен», «Инопланетянин», «Искатели утраченного ковчега», «Список Шиндлера», «Парк юрского периода», киноэпопея «Звёздные Войны», «Гарри Поттер» и многие другие. Тем не менее, ограничиваться киномузыкой он не намерен, и время от времени пишет произведения более серьёзной направленности для симфонических оркестров.
С 1980 по 1993 год он работал дирижёром Бостонского Эстрадного Оркестра и сейчас является его заслуженным дирижёром.
За долгую кинокарьеру Джон Уильямс был удостоен великого множества наград - в его коллекции 5 "Оскаров" и более 40 номинаций, а также несметное число других премий, и не исключено, что их число ещё увеличится. Но главной наградой остаётся признание его музыки поклонниками со всего света.



Статья подготовлена с использованием материалов следующих сайтов:

http://kino-teatr.ru/kino/composer/hollywood/49742/bio/
http://potterland.ru/2008/04/08/biografija-dzhona-uiljamsa-kompozitor.html

пятница, 2 августа 2013 г.

МузК представляет - "Тролль Гнёт Ель".

В конце лета 1999 года Константин «Тролль» Румянцев покинул коллектив NOMANS LAND, желая организовать собственный проект. В поисках флейтиста он вышел на Марию «Джетру» Леонову.
Дальнейшую историю подробно пересказывать не будем. Она замечательно представлена на сайте ТГЕ. Скажем лишь, что путь группы. вобщем и целом, достаточно стандартен. Выступления в клубах, поездки на различные фестивали.
Весьма справедливо заметил сайт dark-world.ru "Появившись в начале 2002 года, Тролль Гнёт Ель буквально распугали любителей "эльфийских поплясулек на лунных лужайках", принеся на питерскую фолк-сцену настоящий викингский задор, помноженный на рок-н-ролльный угар."
Несмотря на успешную деятельность, группу периодически лихорадило - особенной проблемой были скрипачи и ударники. Тем не менее, ТГЕ продолжали творить и выступать, что продолжают делать и по сей день. К выходу готовится большая программа, которая, должна по заверению ТГЕ стать "эпохальным событием".



В настоящее время ТГЕ это:
Тролль (Константин Румянцев) - гитара, вокал, автор песен.
Джетра (Мария Леонова) - свирель-вистл, вокал
Скъельди (Сергей Немтинов) - бас
Лукич (Андрей Лукин), Эйнар (Алекей Магин) - оба ударные
Светлана Сулимова - скрипка




четверг, 1 августа 2013 г.

МузК представляет - Диана Дамрау.



Диана Дамрау (Diana Damrau). Сопрано.

Родилась 31 мая 1971 года в Гюнцбурге, Бавария, Германия. Говорят, её любовь к классической музыке и опере пробудилась в 12-летнем возрасте, после просмотра красивого фильма-оперы Франко Дзеффирелли "Травиата" (Дж. Верди) с Пласидо Доминго и Терезой Стратес в главных ролях. В 15 лет выступила в мюзикле "Моя прекрасная леди" на фестивале в соседнем городке Оффинген. Вокальное образование получила в Высшей музыкальной школе в Вюрцбурге, где её педагогом была румынская певица Кармен Хангану, во время учебы она также занималась в Зальцбурге с Ханной Людвиг и Эдит Матис.
После окончания с отличием консерватории в 1995 году Диана Дамрау заключила двухлетний контракт с театром в Вюрцбурге, где состоялся её профессиональный театральный дебют в роли Элизы "Моя прекрасная леди" и оперный дебют с партией Барбарины из "Свадьбы Фигаро", после которой последовали роли Энни ("Волшебный стрелок"), Гретель ("Гензель и Гретель"), Мари ("Царь и плотник"), Адель ("Летучая мышь"), Валансьенны ("Веселая вдова") и другие. Затем были двухлетние контракты с Национальным театром Мангейма и Франкфуртской оперой, где она играла в партиях Джильды ("Риголетто"), Оскара ("Бал-маскарад"), Цербинетты ("Ариадна на Наксосе"), Олимпии ("Сказки Гофмана") и Царицы ночи ("Волшебная флейта"). С партией Царицы ночи она выступила в 1998/99 в качестве гостя в государственных оперных театрах в Берлине, Дрездене, Гамбурге, Франкфурте, а в Баварской опере с партией Цербинетты...